Dans un petit texte écrit pour présenter une exposition qui s’est tenue pendant l’été 2000, à la Numthong Gallery de Bangkok, Édouard Sautai parlait à juste titre de ses dessins comme résultant d’une performance. Ce sont des dessins au trait, des sortes d’épures, exécutés sans l’aide d’une règle ni d’aucun instrument de mesure, et néanmoins d’une exactitude parfaite.
L’artiste notait aussi l’opposition entre ces dessins qui exigent une très grande concentration, et les photographies (Chiang Mai, Bangkok, Ivry) prises sans précaution, à la va-vite, dont ils sont une « copie ».
Comme il sélectionne les détails et ne retient que les contours des volumes, on pourrait dire que le temps du dessin vide l’image photographique ; dans le cas de Bangkok, la débarrasse de son trop plein !
Pourtant, on sait quel rôle peut jouer le blanc qui envahit la surface du papier, qui vous saute à la figure, s’écrase presque sur votre nez d’observateur zélé, un peu comme ce gigantesque ballon de football que l’artiste avait coincé dans une petite pièce de l’Hôpital éphémère et qui obstruait totalement la porte d’entrée et la petite fenêtre. Effet qui entre en conflit avec la perspective impeccablement suggérée de ces vues urbaines.
Au début de l’année 2001, Sautai avait également suspendu, au plafond de la galerie Trafic, à Ivry, une réplique, celle-ci tridimensionnelle, de trois mètres de haut, d’un immeuble d’habitations à la géométrie complexe, construit par Riboulet dans cette même ville. L’architecture fragile, réalisée en voilage, avait un statut incertain entre linéarité et volume : les coutures soudant les plans du tissu pouvaient apparaître, du fait de la transparence de ce tissu, comme un dessin dans l’espace. Décidément, ce qui intéresse Sautai, c’est l’arête qui est la condition du volume, mais où le plan s’anéantit.
Face à cette architecture montée au plafond comme un énorme ballon, il m’est venu en tête d’établir un rapport avec le dessin dit « à main levée », et l’existence de cet immeuble transparent, réellement « suspendue » à quelques fils fragiles, m’a aussi fait penser à cet infime moment « en suspens » qui précède celui où le crayon vient toucher le papier. Si bien que l’œuvre réalisée m’est apparue comme la métaphore de cette brève fixation de la conscience qu’est l’instant de la décision et qui précède, justement, la réalisation.
Cette décision est également celle par laquelle un être prend possession d’un espace. Non seulement le dessinateur, par son geste, fait sien l’espace du papier, mais, dans la mesure où préalablement, comme je l’ai signalé, il a « fait le vide », c’est sa vision désormais qui investit le paysage urbain. Cette dialectique, entre le vide et le plein, on la retrouve tout au long de l’œuvre depuis bientôt dix ans : énormes ballons qui envahissent l’espace, le disputent au visiteur, et dont l’enveloppe de papier de soie ne tient que d’être pleine d’un air qu’il faut sans cesse insuffler, ou gigantesques toupies, objets qui, par excellence, se désincarnent sous nos yeux lorsqu’ils sont en mouvement.
L’attention que porte l’artiste au trait, à l’arête, se comprend mieux au travers de ce jeu entre le vide et le plein. L’une des premières œuvres réalisées ressemblait à un champ de fouilles. Des morceaux de ce qu’on pouvait soupçonner être des jarres antiques affleuraient au-dessus du sol. On pouvait rêver des beaux volumes pansus, « pleins », de ces objets vides, dont les courbes émergentes mimaient celles du terrain tout en les repoussant un peu. Pour recouvrer un droit à l’existence, les jarres, en quelque sorte, soulevaient la surface de la terre. L’œuvre, éphémère, fut abandonnée et, comme on dit, la nature reprit ses droits. L’herbe recouvrit les morceaux de terre cuite. Si Sautai en faisait aujourd’hui le dessin au trait, on devinerait juste la présence des objets aux légers renflements imposés à la ligne du terrain. Ils témoigneraient, ces renflements, du passage de l’artiste dans ce lieu, de sa faculté à repousser la frontière du visible.
Comme Sautai a de l’humour, il lui arrive de suggérer que l’objet qui transgresse les limites de l’espace n’y parvient pas sans mal… Ainsi ces tables et ces échelles qui donnaient l’impression de passer au travers d’une vitrine, sauf que d’un côté ces objets étaient bancals, comme punis de leur transgression, et nécessitaient des cales (des piles de livres sous leurs pieds !).
La très récente Hand Made in Korea reprend l’idée d’une forme émergeant du sol. Il s’agit cette fois d’une main géante, faite de tuiles en terre cuite, ce qui lui confère, en dépit du matériau traditionnel, un aspect mécanique (encore les arêtes !). La position de cette main peut être interprétée ainsi : comme les jarres, elle aussi semble avoir forcé la surface du monde pour s’imposer, toutefois, elle replie ses doigts sur cette surface, à la façon du geste délicat par lequel en effet on retient une feuille de papier qui menace de s’envoler. Voilà bien toute l’ambivalence de notre rapport au monde dont l’artiste nous fait prendre conscience. Pour exister nous devons briser les limites du monde, mais ce monde, pour exister lui-même, doit en passer par la main de l’artiste qui le maintient sous nos yeux.

Catherine Millet 2001


Edouard Sautai
On the edge of the world
Catherine Millet
    In a small text written for the exhibition at the Numthong Gallery in
Bangkok during the summer of  2000. Edouard Sautai speaks aptly of his
drawings as a result of a performance. They are contour drawings, of a
working kind, and though they are made without any ruler or other measuring
device, the result has a flawless precision.
    Given that the drawings are a "copy" of the photographs, the artist also
noted the contrast between the drawings which demand great concentration and
the photographs (Chiang Mai, Bangkok, Ivry) taken in a rush without any
precautions.
    As he selects details and only captures the contours of the volume, one
could say that the time of the drawing empties the photographic image; in the
case of Bangkok, the drawing clear away the superfluous !
    Yet, one knows the role the white plays, invading the surface of the
paper, staring you in the face and nearly crushing your nose as a zealous
spectator. A bit like that gigantic football, which the artist had jammed
into a small room of the "Hôpital éphémère", thus obstructing the entrance
and the small window. An effect, which clashes with the perspective
impeccably suggested by these urban views.
    In the beginning of 2001, Sautai had also hung from the ceiling of the
Trafic gallery at Ivry a three-dimensional, three meter high replica of an
apartment building with a complex geometry, built by Riboulet of that same
town. The fragile architecture, made out of netting, had an uncertain status
between linearity and volume. Due to the netting's transparency, the seams
holding together the pieces of cloth seemed to appear like a drawing in
space. What really interests Sautai, is the edge which determines the volume,
but where the plane is destroyed.
    Standing in front of this architecture, hanging from the ceiling like an
enormous balloon, an established connection came to mind with the drawing "to
the raised hand" (à main levée). The existence of this transparent building,
actually suspended with fragile strings, also made me think of this tiny
moment "in suspension" that precedes the moment when the pencil touches the
paper.
    And so the created artwork appeared to me as a metaphor of this brief
fixation of the conscience which is the instant of a decision and which
precisely precedes creation.
    This decision is also the one by which a human being takes possession of
space. By his gesture, the artist not only takes possession of the paper's
space, but as I have indicated, insofar as he has first obtained emptiness,
it is from this moment that his vision occupies the urban landscape.
Throughout the last ten years of Sautai's artistic work, one finds this
dialectic between emptiness and fullness: enormous balloons, made of silk
paper, constantly in need a new air supply, invading space and contending
with the visitor for space; or gigantic spinning tops, objects that when they
are moving disembody themselves before our eyes.
    The artist's interest for the drawn line and the edge is better
understood through this play between emptiness and fullness. One of the first
pieces of work resembled an excavation field. Pieces that one could assume to
be antique jars were floating above the floor. One could dream of beautiful
pot-bellied forms, "full", of these empty objects whose emerging curves
imitate those of the ground while pushing them back a little. To regain the
right to exist, the jars somehow raised the surface of the earth. The
ephemeral work was abandoned and as one says, nature took back its rights.
The grass grew and covered the pieces of earthenware. Today, if Sautai made
the contour drawing, one would only guess the presence of the objects by the
slight bulges inflicted upon the surface of the ground. These bulges are a
witness of the artist passing through this place, of his ability to push back
the boundary of the visible.
    Since Sautai has a sense of humour, he happens to suggest that the object
which transgresses the limits of space will not succeed without an effort…
Thus, there are these tables and ladders that gave the impression of going
through a vitrine, except that one side of the objects were unstable, as if
pushed from their own transgression they required blocks supports (piles of
books under table legs and ladders).
    The very recent Hand Made in Korea reclaims the idea of a form emergency from the ground. This time it is about a giant hand made of terracotta tiles,
which despite of the use of traditional material confers a mechanical
appearance (the ridges once again!). The position of this hand can be
interpreted as follows: like the jars, in order to impose, it also seems to
have broken the surface of the world, however, the hand bends its fingers on
this surface like the delicate gesture one uses to hold down a piece of paper
about to fly away. Now that is the entire ambivalence of our relationship
with the world, which the artist brings to our consciousness. To exist, we
must brake the limits of the world, but for this world to exist, it must pass
through the hand of the artist, which maintains it before our eyes.

Translated by Pernille Grane.